北方的纳努克影评分析_北方的纳努克影评视听语言特点

1.关于美国**发展史

死亡录像影评——转

尽管对恐怖片的喜爱几乎到了不可救药的地步，但我深知这一类型片真正的迷人处，绝非无休止渲染血腥和死亡场景（尽管看上去它们总是必不可少）。身临其境的恐惧，常带来对绝望感短暂的亲密体会，这能令人振奋，并产生劫后余生的瞬间快感——有时候我甚至觉得，不安全感乃是人类记忆深处最根深蒂固的动物本能，恐怖片正基于此心理背景诞生繁衍。这也能解释，为什么生产恐怖片最活跃的地方总是日本、美国这些危机意识强烈的国家。此外，回归前的香港人也（曾经）喜欢通过恐怖片和片来消除社会生活压力，而在欧洲的西班牙，人们则习惯于通过恐怖片，来消除源自宗教的不安和焦虑。

在西班牙恐怖**里，很少出现好莱坞**里屡见不鲜的，离群索居的电锯狂或突然入侵小镇的吃人怪兽，他们喜欢表现的是黑暗、死亡和人的变异——黑暗象征无边无际的压抑，死亡是这种压抑导致的结果，而人的变异，是生与死的辩证。不久前的《孤儿院》正是揭示这一主题，而这部“吓人何止一跳”的《死亡录像》，更是此三者的有机融合，不过，这部**的价值并非仅此而已，它最令人欣喜的，是它“创造”了一种崭新的**表现形式。这种新形式，很可能会因为这部**意想不到的成功，引发一次探索新兴**语言的小小潮流。这个潮流简单讲，就是用纪录片手法拍摄故事片，比如好莱坞最近用DV拍摄的科幻灾难片的《苜蓿地》，或者乔治·罗梅罗的《死亡日记》。而更有想象力的做法，我想也会很快有人大胆去尝试，能不能用纪录片拍一部武侠**呢？别着急一口否定。

40岁的西班牙导演琼米·巴拿格鲁，在将近十年时间里一直钟情于拍摄恐怖片，但那些**（《黑暗》、《无名死婴》、《公寓出租》）无论是否借助好莱坞资金和明星效应，都并未获得真正意义上的成功。与他合作《死亡录像》的帕卡·布拉扎也一样。创作苦闷之余，他们终于决定剑走偏锋，以出其不意的形式征服经验丰富的观众。DV终于挽救了他们的事业。这部**让很多经验观众在第一时间里想起了1999年的《女巫布莱尔》，影片开始时，电视台“当你在熟睡”节目女主持人安吉拉带着摄像师去一个消防中队深夜访，整部**即由摄像师肩扛的机器“无意间”纪录完成。但《女巫布莱尔》没能解决“必须拍地好看”这一核心问题，而好莱坞的保守主义和经验主义又导致《女巫布莱尔2》在第一集惊世骇俗的成功之后，未能继续探索，相反却大踏步退回到胶片格局，使DV这种**新果实的成熟，推迟了整整十年。

用纪录片手法的最大诱惑在于，它能够提供一个使观众身临现场的紧张气氛，这非常适合用来拍摄“突发”，《苜蓿地》和《死亡录像》的成功，都基于此。在《死亡录像》里，女主持人和摄像师构成一个电视访的独特现场，令观众身临其境，实时观察事态走向。镜头首先是常规的消防中队访，很快，由于跟拍消防队员出警，观众得以和拍摄者一起进入一幢老公寓楼，在接下来的一小时里，又和那里的住户一起夜遇恐怖僵尸。由于影片由电视台摄像师随机拍摄，视点单一，剧情在展开过程中，就不可能像传统**一样覆盖场景和人物，这反而增强了不可知带来的重重恐惧和猜测，同时摄像机的晃动，则增加了观众心理的起伏不定。很多类似摄影风格的**作品，确实曾因此失去部分不堪忍受画面动荡的观众（《苜蓿地》就仍然存在这个问题），但随着保罗·格林格拉斯两部《谍影重重》的有效熏陶，还是有越来越多的影迷学会了享受这种新闻纪录式的晃动。琼米·巴拿格鲁和帕卡·布拉扎做的更妙，他们非常体贴地考虑到这一点，不时穿插拍摄一些稳定镜头，利用简短的访、黑屏和固定镜头，让观众紧张的神经得以稍事休整。

影片的最后一场戏最为影迷津津乐道，这个7分钟左右的夜视镜头场景（《苜蓿地》里也利用了DV的夜视功能，但效果却远不及此），不仅成功地向恐怖片经典《沉默的羔羊》表达了敬意，更将全片营造的恐怖气氛推向高潮，惊魂程度几乎令人窒息。这段情节还将西班牙恐怖片经常涉及的宗教恐惧引入进来，我个人感觉稍嫌煞有介事，但却为这个惊心动魄的“僵尸之夜”，提供了一个必不可少的解释说明。有经验的影迷还会发现，影片最后一个镜头和比利时**《人咬狗》（1992）如出一辙，摄像机倒在地上机械地拍摄，而叙事者（纪录者）伴随一声惨叫，被猛然拽入黑暗。因为显然不具有《人咬狗》深邃、尖锐的人文内涵，这个并不新奇的镜头，就显得不如《苜蓿地》结尾那么恰到好处、意犹未尽。尽管如此，影片对低成本**寻求出路仍然小有启发——与其让无限接近胶片，不如利用它天然的纪录片质感，拍出物美价廉的创意故事。希望更多DV爱好者和年轻导演，能够有兴趣看看这部**

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纪录片-浅谈

在我国，尽管长期以来一直被作为强烈攻击的目标，尽管至今双方意见依然激烈对峙，然而“真实再现”的表现手法，在现今的作品创作中已被越来越广泛地应用于**纪录片、电视纪录片、电视专题片，乃至电视纪实类节目或栏目中。如中央电视台的《讲述》、《今日说法》、《人与自然》、《记忆》等，包括我们新影创作的《纪录片之窗》、《亲历·见证》、《走遍中国》、《华夏文明》、《地图上的故事》等节目中都用了“真实再现”的手法。

基于这种将虚构的方式应用于非虚构的节目中的作法，最早起源于**纪录片，并最早是以电视纪录片为基点，在电视领域中弥漫开来的，故本文拟以**、电视纪录片中的“真实再现”的手法为对象，探讨其存在的原因、利弊及应注意的问题。

纪录片，单从词面上看，便已能明确地反映出这一艺术表现形式的基本性质和创作方法，即纪录。在1993年出版的《中国应用电视学》一书中对纪录片是这样定义的：“纪录片是直接从现实生活中选取图像和音响素材，通过非虚构的艺术表现手法，真实地表现客观事物以及作者对这一事物认识的纪实性电视节目。”“纪录片直接拍摄真事，不允许虚构，它的基本手法是访摄影，即在发生、发展的过程中，用挑、等、抢的拍摄手法，纪录真实环境、真实时间里发生和真事。”

真实环境、真实时间、、真事，这四“真”长期以来在我国的纪录片创作上，一直被视为是生命之所在。自上世纪50年代起，“挑、等、抢”的拍摄手法（又被称为“自然主义手法”），在我国纪录片创作中一直占主导地位，在“”中曾被提升到政治素质、政治态度的高度。然而，随着实践和理论的发展，纪录片的传统定义遭到了质疑和颠覆。有人提出：这一把真实看成是纪录片仅有属性，把虚构看成是和真实相对立的表现手法的定义是有局限性的，并这种局限性在实践中越来越显现出来。有人质疑：有了虚构的表现手法就不真实了吗？用了虚构的手法的东西就不是纪录片了吗？有更多的人把被长期摒弃的“再现”手法，大大方方地应用在了纪录片中。

这里所说的“真实再现”是指发生时，没有留下任何的影像以及音响资料，事后根据创作的需要，用虚构的方式把当时发生的东西模拟重现出来。

事实上，在**纪录片诞生后的百年间，“真实再现”的手法就一直被用着。弗拉哈迪（Rober Flaherty）的被公认为是世界纪录片开山之作的《北方的纳努克》（1922年）一片中，许多情景也都是利用重拍、摆拍等虚构手法拍摄的。纪录片大师伊文思也很善于进行组织拍摄，他把这种方法称为“重拾现场”、“复原补拍”。

“真实再现”的表现手法从形式上大体可分为三种：

一是重演，也叫摆拍或补拍；是由纪录片中的特定人物，按编导的要求对自己的过去的特定的真实生活片断进行重演。如弗拉哈迪拍《北方的纳努克》时，爱斯基摩人已不居住冰屋了，为了表现爱斯基摩人的风俗特点，弗拉哈迪请纳努克一家重演了搭建冰屋的情景。另外，影片中弗拉哈迪还请纳努克和他的邻居们穿上了他们早已脱去的兽皮，仿照他们爷爷的样子到海边用钢叉去捕捉海象。据我国老一辈纪录片摄影师讲，中国占领南京总统府时，先遣部队中并没有随军摄影记者，而我们现在所看到的那组解放军战士跑入总统府、房顶上国民党党旗被抛落而下、战士们振臂高呼的经典镜头也是后来补拍的。

二是扮演；是由演员对过去发生的历史或人物行为进行扮演。如英国纪录片《失落的文明》（8集1995）中就用了大量的扮演的手法。其中最后一集《美索不达米亚：回到伊甸园》讲到“死海文卷”时，由两位演员扮演了1947年“死海文卷”被发现时的场景：烈日下，两个牧羊人走在耶路撒冷的荒野中；他们来到了被陡峭的斜坡所隐蔽的小山洞前；一个牧羊人爬了上去；洞中有大量的古代陶瓷碎片和羊皮纸卷轴等文物……《纪录片之窗》栏目《破解西夏王陵之谜》节目中，讲到西夏文字的发现时也运用了扮演的手法：一个手举火把的人下到一个深深的洞穴中；探险者的脚步，在火把的映照下一步步向前走去；火把停在一块残破的石碑前；石碑上刻满了西夏文字。这种扮演在纪录片《金字塔》中再现塔顶巨石安装、《望长城》中再现烽火传警、《姊妹溪》中再现搭建盐卤栈道等中都有表现。

三是运用相关镜头，达到再现的目的。这里说的相关镜头包括：借用的**故事片、电视连续剧以至电视戏曲片、电视艺术片的镜头和带有一定喻意的空镜头。《见证·亲历》栏目《无声的较量》系列节目中，就用了大量的相关镜头再现人类曾经历经的疾病灾难。《终结麻风病》、《阻击黑死病》中讲到一个世纪前发生的灾难的情景时，作者运用了许多表现古希腊人生活情境的相关镜头。《送瘟神》中除了用了大量的纪实镜头外，还用了**故事片的镜头。纪录片《中华文明》中，有一组司马迁写《史记》的镜头，用的是一段戏曲片中司马迁在放有正在撰写的《史记》的几案前深思的镜头。纪录片《马王堆》运用舞台艺术片中女主人公 的独舞镜头。空镜头的虚构方法也常运用于历史类纪录片和人物传记纪录片中。

“真实再现”的表现手法从内容上讲大体也可归纳为两类：

一类是细节再现，或称作过程再现。主要用来再现某一事情的细节过程。如纳努克一家如何生活的带有细节性的场景。又如，“死海文卷”被发现的细节过程等。这种“再现”的写实性更强。

第二类是象征再现，或者称为虚化再现。主要以虚化处理的情景象征某一种事物。如以火把和脚步象征寻找；以匆忙的脚步、拥挤的人流象征奔波；以万马奔腾的足迹和卷起的消烟象征战场的嘶杀等。

从以上的“真实再现”的分类和实例中，我们可以看到这种虚构的表现手法，确实广泛地、大量地运用于非虚构的纪录片创作之中。纠其存在之根源，寻其存在的合理性，或许可以归纳为三点：

一、 扩展纪录片的选题范围，丰富节目画面。

“真实再现”之所以能在纪录片中找到生存土壤，最根本的一条就是原始影像资料的匮乏。

这种原始资料的匮乏，在历史文化类题材的纪录片中，在追溯回眸类的纪录片中表现得尤为突出。如我们新影的《中华文明之光》栏目中《孔子》、《老子》等节目，又如我们的《千秋史话》栏目的大同系列的《大同沧桑》、《走遍中国》栏目的苏州系列的《吴越春秋》、大连系列的《百年旅顺》等节目中，编导遇到的问题是除仅有的资料、拍摄的一些实景资料之外，声音资料、影像资料为零。在编导们的面前，或者只有历史给我们留下的一个个口口相传的传说；或者只有祖先留下的一篇篇无影无声的文字；或者只有那些亲历者、知情者一段段生动难忘的回忆。如果想把这些美妙的传说、震撼的故事、难忘的回忆呈现在观众面前，“真实再现”便成了一种很好的表现手法。

纪录片《阿炳1950》，是一部34分钟的片子，而导演初次接触这个非常具有色彩的人物时，手中的资料只有日本人统治无锡时，阿炳的一张良民证上的照片和1950年留下的六首曲子。在这种情况下，如仅用访谈和这点资料凑成一部片子显然是很单薄的，于是编导用了“真实再现”的表现手法。还原的无锡历史街景、孤独的阿炳的背影在凄凄的二胡曲的衬托下，大大增加了视觉图像的感染力，增加了节目的传播效果。

我们拍摄的《走遍中国》“潮州”专题片中，在表现潮州人当年为了生计背景离乡，出海下南洋的时候也运用了这种“真实再现”的手法。仿旧的褐色画面，扮演的出海人赤脚在沙滩上一步步走向海边的一叶孤舟，手中拿着一支潮州乐器——椰琴，身上背着一个蓝白相间的碎花小包裹，背景音乐是一曲潮乐中悲怨的乐曲。

从以上两个例子可以看出，使用“真实再现”手法，使画面得以大大地丰富，对于我们更好地挖掘历史文化类纪录片，对于更生动地表现追忆回眸类纪录片，对于我们拓展纪录片的选题范围，都起了重要的作用。

二、 满足观众的收视欲望，增强节目的叙述张力。

与历史文化类的纪录片相比，一些纪实性新闻类纪录片虽然在时效性上距我们靠近了许多，但在节目制作中却常常存在着种种“不在场”的遗憾，而这种遗憾却往往正是观众收视欲望的所在。

渴望从画面中获得真实的震撼、真实的美感，是观众收视心态的主体。一位**专家说：“真实的定义是多重的，你可以从故事片看到事实，但纪录片却有一个与现实关系更为紧密的联系。”另一位英国纪录片制作人说：“人们发现现代科技的发展让人们失去了与真实的交流，于是人们希望从纪录片中找回真实的交流，并从中去发现自己不能看到的、不能感受到的真实。”而在创作中，编导们会发现观众们所渴望看到的真实，往往在创作者面前只是一种“不在场”的遗憾，这种遗憾对于一些新闻类纪录片的影响是尤为明显的。为了弥补这种遗憾，便有了“真实再现”手法在新闻类纪录片中被广为使用的现象，并在其中不乏成功者。

如《纪录片之窗》中的节目《与生命签约》一片就是其中的成功的作品。节目讲了一位身患血液重症、如不及时治疗来日不多的男主人公，与生命抗争，签约承包桃园，为自己挣治疗费的故事。节目多处巧妙地运用了一些真实再现的镜头，如主人公因过度劳累，病情加重，昏倒在桃树前一段，就用了补拍和组织拍摄。随着人们的呼喊声，桃园里干活的伙计们伴着摄像机的晃动的镜头跑向倒下的主人公。镜头拍得真实感人，弥补了“不在场”之憾，更好地表现了主人公的顽强精神，给观众的心灵带来震撼。还有主人公找邻居借钱的一段也再现得很感人。由于天旱缺水，急需资金挖蓄水池。节目出现了这样一组镜头：夜幕降临，主人公徘徊在邻居家的门前……敲门……主人公与邻居的一段对话。虽然我们看不清人物的面部表情，但通过这段再现，增强了节目的叙述张力，满足了观众的收视需求。

三、 营造艺术氛围、意境，增加了节目的感染力。

米歇尔·雷诺在《非虚构的艺术》中说：“如果认为只有故事片才需要借助观众的想像……是极不明智的，如果夸大纪录片平实非虚构的特点，就往往不能够理解故事片根深蒂固的感召力。”事实证明建立在真实基础上的以虚构的表现手法去渲染、去再现的镜头，也不乏是一种如同故事片一样的感召力的创造。所不同的是纪录片的真实是从日常生活中摘取出来的，是真实大海中的一滴水，而不是为银幕所编造出来的虚构的东西。如匆忙的脚步、拥挤的人流、金秋后落叶、冬日的枯枝、飞翔的白鸽……这些在故事片中常用的借景造势的渲染手法，在纪录片中也成为了一种再现的重要手法，能够增加纪录片的艺术性。

纪录片《国球沧桑》讲到“”期间中国乒乓球队员被下放农村，乒乓球训练被迫中断时，编导用了这样一组镜头：长满蒿草的荒芜的农家院落，一间放置农机具的棚子，土屋旁的草丛中一个破乒乓球案子斜靠着，棚子中拉着一条红色的大标语。

纪录片《追梦舞台——》讲到老舍先生离开人艺、离开人世的时候，也用了一组很有感染力的再现镜头：空空的首都剧场，几盏舞台追光灯照着入口的大门，慢慢地拉到老舍先生生前常坐的座位，又推到那空空的舞台……

由此可见，资料的匮乏、“不在场”的遗憾，只是造成纪录片对“真实再现”手法的内在需求的一个方面，而对纪录片艺术性、感染力的追求也不能不说是当前“真实再现”手法被广为用的一个重要原因。

应该说，“真实再现”在中国纪录片创作中、在纪实类电视节目中的使用，对中国纪录片、中国电视的发展不能算是一件坏事，它在弥补资料匮乏和“不在场”遗憾的同时，其在丰富画面、扩展范围；增强叙述张力；营造艺术感染力等方面的作用是不可低估的。

然而，“真实再现”的表现手法是一把双刃剑，它能美化我们的节目，同时更能损伤我们的作品，出现“画虎不成反类犬”的败笔。这也是许多纪录片人对此持有异议、主张谨慎从事的重要原因。

其可能造成的危害归纳起来主要表现在以下几个方面：

1． 为提供了便利条件，负面影响难以想象。

1998年一则英国卡尔顿中央独立电视中心发布的道歉声明，在世界界引起轩然大波。他们称1996年制作并播出的电视纪录片《关联》是一个捕风捉影，缺少事实根据的节目。故事所表现的一条从哥伦比亚到伦敦的地下毒品运输线并不存在，而纪录片的主要部分都是表演出来的。

这种情况，在世界业并不少见，一个个节目被揭露出来，而一个个节目又被制作出来。有人便把这一切都归结为“真实再现”手法的泛滥，或许有些偏颇，但“真实再现”手法在纪录片中的广泛应用确为提供了便利，这也是不争的事实。

的确，“真实再现”建立在这样一个的基点上，其负面影响是可怕的。它给了人们这样一个信息，一切都可以仿造，一切都可以扮演，既然真实的东西也不真实了，难道还真实可言吗？还有了解事实真相的途径吗？由此可见，“真实再现”必须建立在真实的基点上，必须永远格守真实的生命原则。

2． 有可能助长“舍本求末”的风气，动摇纪录片真实性的根基。

真实是纪录片的生命，是纪录片的根本。真实的影像永远是纪录片创作的主源，它们是纪录片中最有含金量、最有价值、最有意义的元素。而“真实再现”只是纪录片创作中起弥补作用、起作用的一个表现手法。然而在纪录片创作中，却有一种过分地强调再现，寄希望于再现的做法。这种“舍本求末”的风气，是对纪录片真实性的挑战，是万不能助长的。笔者曾看到一部片子，几乎从头到尾都是主人公在表演，但这位主人公毕竟不是演员，其拙劣的演技使得一部原本立意很好的节目，变得滑稽、可笑。还有的片子一味地追求艺术效果，忽视了引用资料的细节真实，从而犯下张冠李戴的不负责任的错误。

3． 真相交，误导、欺骗了观众的视听。

“真实再现”手法还有一个可怕的误区，就是真相交，真真，导致观众雾里看花，误导、欺骗了观众的视听。有一个反映中国登山队首次征服珠穆朗玛峰的片子，当说到凌晨三位登山队员终于登上了珠峰时，画面上出现了三位队员站在峰顶，兴奋地欢呼的镜头。但稍有一点常识的人都知道此时珠峰上一片漆黑；稍有一点登山历史知识的人都知道我国登山队首登珠峰没有留下影像资料。还有的节目借用了电视剧的大段镜头，又不加说明，严重地误导了观众。因此在电视节目中凡出现“真实再现”的地方，加以字幕说明已为节目中一条不成文的规矩。

4． 再现不真，扼杀了观众的想象力，降低了观众的欣赏品味。

“真实再现”，除了要在根基上建立在真实的基础上之外，还要注意在表现手法上的真实。再现不真，是“真实再现”表现手法运用中的一大禁忌。这种情况的结果往往是把真实变成了虚。如不合情理的结构、刻板的对话、虚的客套、无奈的场面，常常使观众不忍再看下去。过于细致的再现，还扼杀了观众的想象力。因此在运用“真实再现”表现手法上，一定要慎之又慎，应注意宜粗不宜细，宜写意不宜写实，一定要真实、自然、顺畅。

关于美国**发展史

科举制度起源于隋唐，罢废于晚清，历时1300多年。如再上溯到其它选官制度存在的春秋、战国、秦汉时期，则时间更为久远，历史跨度惊人。而史家记载历史，大多只喜欢记述结果，留给后世的无非是枯燥的大事年表。对于每天有无数网络信息和电道可供选择的观众而言，他们当然不会对这些故纸堆感兴趣。

确实，我们的观众早已过了观赏温饱期，他们不会再像信息匮乏时代那样，如饥似渴、饥不择食地吸收信息了。今天的观众已进入观赏精细化时代，不仅要求精神食粮富含营养，更要求色香味俱全，换句话说，也就是故事要讲得更好。因此在《科举》的创作过程中，无论是正史，还是野史、戏剧、民间故事甚至坊间传说，我们都如获至宝。我们用被史界反复论证、经得起时间考验的研究成果，来构筑我们的历史观，搭建完整的历史空间，而野史、传说则作为补充，为历史空间打开多个另类天窗，以便让观众从不同的角度去观察历史。我们相信，无论是宝石还是玻璃，珍珠还是水滴，都可以折射事物，关键在于创作者拥有怎样的世界观和历史观。

举个例子，《科举》在讲述晚清最后一次科举考试这段历史的时候，先是借用了一个坊间传说，绘声绘色地描述慈禧太后是如何钦点末代状元的戏剧性过程，接着再由历史学家来分析坊间传说的种种可疑，去伪存真，以正视听。这样，既避免了以诈化诈，又让观众从中看到独裁对科举公平的践踏以及王朝对当时局势的失控，感受到清末扑朔混沌的乱世情态，从另一个侧面解读了这段历史。

在纪录片创作过程中，我们深深地体会到，讲故事既是一种表达方式，也是我们对待观众的真诚态度。让我们学会用故事片的表达方式去拍摄纪录片，这是上天对我们的丰厚赐予！ 要拍摄一部历史跨度超过千年的纪录片，资料奇缺是个难以逾越的障碍。在漫长的历史进程中，除了晚清因西方照相术的发明尚有斑驳信息残存于影像之中，其它朝代无论是纸质资料还是建筑实体，或因江山易帜，毁于战火，或因岁月风化，无迹可寻。那么，如何重现漫长的科举历史呢？难道我们只能将镜头对准那些被历史瓦砾层层覆盖的残迹遗存，作空泛的历史回望吗？

情景再现无疑是解决这个问题的比较好的方案之一，从《北方的纳努克》到《智人》，再到《凯撒大帝》，纪录片的探索者和实践者已经证明了这一点。

举个例子，关于科举起源于什么朝代，至今说法不一。其中一说是科举起源于汉代的一次日蚀。汉文帝目睹日蚀，惊骇不已，以为是上天谴责帝王无能，于是慌忙下《求贤诏》，让天下有识之士参加宫廷考试，胜出者封官，帮助帝王治理国家。另有一说是科举始于隋炀帝偶然的心血来潮，称隋炀帝为了夺取帝位，长期压抑性情，故作不好声伎，以此骗取父亲的信任。而一旦即位，本性还原，不仅东征西狩，还设立“进士科”，举办全国性的诗歌达人赛，声色犬马，穷奢极侈。

如此富有戏剧性的历史细节，《科举》又怎能舍弃呢？有一组数据似乎可以说明问题，纪录片《科举》共搭建古代场景84个，租用和制作陈设道具一万余件，动用演员1500余人次，拍摄情景再现共117场，将经典历史场面一一重现。

当然，我们的情景再现是有态度的，那就是在讲述故事的同时，告诉观众哪些属于坊间传说，哪些是当前史界比较认同的说法。 纪录片《科举》大约有三分之二篇幅是运用情景再现的方式来表达的。为了传递一种沉静的力量，我们没有使用比较流行的大幅度的、花哨的运动镜头，而是运用了一些朴素的镜头语言，以一种安静的、凝望的方式去表现历史。但这么做的风险是，因为你不使用流行语汇，别人就可能认为你不会使用这些语言。当然这并不重要，重要的是我们如何把故事讲得更好。

《科举》约有八千多个分镜头，我要求摄影师和美术师每一个镜头都带前景。这是十分苛刻也是极难做到的要求，甚至在众多中外纪录片作品中也是比较罕见的。我说服他们这么做的理由是：希望透过“历史的夹角”去“”历史。历史空间和我们的现实空间是互不交融的两个空间，我不认为纪录片创作者可以肆意闯入历史空间，惊扰历史老人的沉睡。我更愿意站在层层时间年轮之外，透过“历史的夹角”去“”历史。而前景，正是构成“夹角”的重要原素。

举个例子，我们在再现“杯酒释兵权”的历史场面时，美术师在四周燃起熊熊炉火，而摄影师则透过炉火去拍摄宋太祖利诱威逼武将们放弃兵权。所有的镜头都是透过火光拍摄完成的，这一方面让酒宴透露出强烈的杀机，另一方面也营造了“隔岸观火”的效果，让观众可以更冷静、更理性地观察宋朝初年诡谲莫测的政治风云。

为什么斑驳的青铜器躺在博物馆里会美轮美奂？因为幽暗的光线，安静的姿态，以及由防盗玻璃隔出的观赏距离，这就是“夹角”效应。只有透过“夹角”，镜头里的人和景才会更深邃，更神秘，更有质感。

运用情景再现手段拍摄的纪录片，很容易被人诟病，说拍得像电视剧。确实，不少纪录片的情景再现实在拍得太直白、太没有神秘感。的是，从《刺客令》到《北洋军阀》，从《秘境寻踪》到《心灵捕手》，再从《大辛亥》到《科举》，我们团队拍摄的纪录片虽然大量运用了情景再现手段，却很少被指责说拍得像电视剧，原因可能就在于我们找到了“历史的夹角”。

美国**发展史：

美国是世界第一**强国，虽然美国只有200余年历史，没有什么历史底蕴，但在几百年的短暂发展中，逐渐形成了具有鲜明特色的美国文化，其核心就是追求梦想，平等，自由，以及包容一切。而这些在其**中都有着很好的体现，这些都是很多其他国家**所不具备的。

包容这一点尤其是其他国家望尘莫及的，最典型的例子是2006年的**《硫磺岛来信》，能从侵略者和敌人的角度来表现战争，发掘敌人身上的闪光点与无奈，在全球恐怕没有多少国家能做到。因而美国**一直引领着世界**产业发展的潮流。

19世纪末20世纪初，美国的城市工业经济和中下层居民数量迅速增长，美国**成为适应城市平民需要的一种。它起先在歌舞游乐场内，随后进入小剧场，在剧目演出之后放映。1905年在匹兹堡出现的镍币很快遍及美国所有城镇，到1910年每周的**观众多达3600万人次。

这些影片都是单本一部的，当时的产量是每月400部，主要的制片基地在纽约，如爱迪生公司、比沃格拉夫公司和维太格拉夫公司。1903年鲍特，E.S.的《一个美国消防员的生活》和《火车大劫案》使**从一种新奇的玩意发展为一门艺术。

影片中使用了剪辑技巧，鲍特成为用交叉剪辑手法来造成戏剧效果的第一位导演。**收益高，竞争激烈。自18年开始，爱迪生即为争夺专利进行诉讼。

到1908年，成立了由爱迪生控制的**专利公司，该公司拥有16项专利权，并与**胶片专营者之一的伊斯曼柯达公司达成协议：只有专利公司成员组织方能购买伊斯曼胶片。到1910年，**专利公司垄断了美国**的制作、发行和放映。

独立制片商为摆脱专利公司的垄断，相继到远离纽约和芝加哥的洛杉矶郊外小镇好莱坞去拍片，这里的自然条件得天独厚，远离专利公司的控制，又临近墨西哥边境，一旦专利公司提出诉讼便可逃离。

格里菲斯此时开始了他的**生涯，他于1907年加入比沃格拉夫公司，1908年导演了第一部影片《陶丽历险记》。至1912年，他已为该公司摄制了近 400部影片，把拍片重心逐渐移向好莱坞，并发现和培养了许多后来的名演员，如塞纳-马恩省特，M.、璧克馥，M.和吉许，L.姐妹等。?

到第一次世界大战爆发前夕，镍币逐渐被一些条件较好的**院所代替；**专利公司的垄断权势也逐渐消失，终于在1915年正式解体。此时以格里菲斯为代表的一批新的**艺术家已经出现。制片中心也从东海岸移到好莱坞。

第一次世界大战不同程度地破坏和损害了欧洲各国的**业，却促成了美国**的勃兴。美国**源源不断地涌入欧洲市场。待到第一次世界大战结束时，美国**已经建立起在欧洲的霸权地位。

美国**风格：

1、个人主义是美国价值观中的核心组成部分，它重视个人成就、崇拜个人奋斗，讲究个人价值最大程度地实现。

美国**是灌输个人主义的主要工具，从《蜘蛛侠》、《超人》再到《2012》，“救世主们”一次次让美国扮演拯救世界的角色，英雄来到地球是“为了美国式的真理和正义”，让观众在不知不觉中认同美国具有拯救并主导世界强权地位的天然能力。

2、美国**很注重镜头和叙述场景的精雕细琢，自由女神像、星条旗、曼哈顿街道都是时常出现的镜头。

无论是现代科技制作出来的震撼镜头，还是艺术浪漫的日常生活场景的展示，都会激起一部分观众对美国的向往。

3、美国**善于将精神内核和商业外壳有机结合，价值观倾向被包装在具有强烈视听效果的表层结构之下。

美国产业不仅为美国带来巨额经济利益，带动了美国文化产业的发展，同时推销了美国的价值理念，营造了一个有利于国家形象传播的“美国文化群落和文化生态”。